54 Чувене слике које су направили познати уметници

Бити познат уметник током свог живота није гаранција да ће вас се други уметници сетити. Јесте ли чули за француског сликара Ернеста Меиссониера?

Био је савременик Едоуарда Манета и далеко успешнијег уметника у погледу признања критике и продаје. Тачно је и обрнуто, са Винцентом ван Гогхом. Ван Гогх се ослањао на свог брата Тхео-а како би му обезбедио боју и платно, али данас његове слике постижу рекордне цене кад год изађу на аукцију уметничких дела, а он је име домаћинства.

Гледајући познате слике прошлости и садашњости могу вас научити многим стварима, укључујући састав и руковање бојом. Иако је вероватно најважнија лекција да на крају треба да сликате за себе, а не за тржиште или потомство.

„Ноћна стража“ - Рембрандт

Слика „Ноћна стража“ аутора Рембрандт је у Ријксмусеум у Амстердаму. Као што фотографија приказује, то је огромна слика: 363к437цм (143к172 "). Рембрандт завршио је 1642. године. Његов прави наслов је „Компанија Франса Баннинга Цоцка и Виллема ван Руитенбурцха“, али је познатији управо као

Састав слике се у том периоду веома разликовао. Уместо да приказује фигуре на уредан, сређен начин, где су сви добили исту истакнутост и простор на платну, Рембрандт их је насликао као заузету групу у акцији.

Око 1715. године на „Ноћној стражи“ насликан је штит који садржи имена 18 људи, али само нека од имена су икада идентификована. (Па запамтите ако сликате групни портрет: нацртајте дијаграм на полеђини да бисте видели имена свих будућих генерације ће знати!) У марту 2009. холандски историчар Бас Дудок ван Хеел коначно је разоткрио мистерију ко је ко у сликање. Његова истраживања су чак пронашла и одевне предмете и додатке приказане у „Ноћној стражи“ која се помиње у инвентарима породична имања, која је потом упоредио са годинама разних милиционара 1642. године, године када је слика била завршен.

Дудок ван Хеел је такође открио да је у холу у коме је први пут била окачена Рембрандтова „Ноћна стража“ било шест група портрети милиције првобитно приказани у континуираној серији, а не шест одвојених слика као што је то већ дуго било мислио. Уместо шест групних портрета Рембрандта, Пицкеноиа, Баккера, Ван дер Хелста, Ван Сандрарт-а и Флинцка формирали су непрекинути фриз, сваки се поклапајући са другим и учвршћен у дрвеним плочама собе. Или је то била намера. Рембрандтов „Ноћни сат“ се не уклапа са осталим сликама ни композицијом ни бојом. Изгледа да се Рембрандт није придржавао услова своје комисије. Али тада, да јесте, ми никада не бисмо имали овај запањујуће другачији групни портрет из 17. века.

„Зец“ - Албрехт Дирер

Званично назван Диреров зец, званични наслов ове слике назива га зец. Слика се налази у сталној колекцији Колекција Батлинер од Музеј Албертина у Бечу у Аустрији.

Насликана је акварелом и гвашем, са белим истакнутим деловима изведеним гвашом (уместо да је необојена бела хартија).

То је спектакуларан пример како се крзно може сликати. Да бисте се угледали на њега, приступ који бисте предузели зависи од тога колико стрпљења имате. Ако имате оодле, сликаћете танком четком, по једну косу. У супротном, користите технику суве четке или раздвојите длаке на четки. Стрпљење и издржљивост су од суштинске важности. Пребрзо нанесите на мокру боју и појединачни потези ризикују да се стапају. Не настављајте довољно дуго и крзно ће вам се чинити отрцаним.

Фреска за плафон Сикстинске капеле - Микеланђело

Слика Микеланђела са плафона Сикстинске капеле једна је од најпознатијих фресака на свету.

Сикстинска капела је велика капела у Апостолској палати, службеној резиденцији папе (вође Католичке цркве) у Ватикану. У њему су насликане бројне фреске неких од највећих имена ренесансе, укључујући зидне фреске Бернинија и Рафаела, а ипак је најпознатија по фрескама Микеланђела на плафону.

Микеланђело је рођен 6. марта 1475. и умро 18. фебруара 1564. По налогу папе Јулија ИИ, Микеланђело је радио на томеплафон Сикстинске капеле од маја 1508. до октобра 1512. (није се радило између септембра 1510. и августа 1511.). Капела је свечано отворена 1. новембра 1512. године, на празник Свих Светих.

Капела је дугачка 40,23 метра, широка 13,40 метара, а таван 20,70 метара изнад тла на највишој тачки¹. Микеланђело је насликао низ библијских сцена, пророка и Христових предака, као и тромпе л'оеил или архитектонске карактеристике. Главно подручје таванице приказује приче из прича из књиге Постања, укључујући стварање човечанства, пад човека од благодати, потоп и Ноја.

Плафон Сикстинске капеле: детаљ

Панел који приказује стварање човека вероватно је најпознатија сцена на чувеној фрески Микеланђела на плафону Сикстинске капеле.

У Сикстинској капели у Ватикану је насликано много фресака, али је најпознатија по фрескама на плафону Микеланђела. Ватикански уметнички стручњаци извршили су опсежну рестаурацију уклањајући вековима дим од свећа и претходне рестаураторске радове. Ово је открило боје много светлије него што се раније мислило.

Пигменти које је Мицхелангело користио укључују окер за црвене и жуте, силикат гвожђа за зеленило, лапис лазули за плаве и угљен за црну.¹ Није све насликано толико детаљно да се прво појави. На пример, фигуре у првом плану су насликане детаљније од оних у позадини, додајући осећај дубине у плафону.

Више о Сикстинској капели:

• Ватикански музеји: Сикстинска капела
• Виртуелни обилазак Сикстинске капеле

Извори:
1 Ватикански музеји: Сикстинска капела, веб локација државе Ватикан, приступљено 9. септембра 2010.

Бележница Леонардо да Винчи

Ренесансни уметник Леонардо да Винчи познат је не само по својим сликама већ и по свескама. Ова фотографија приказује једну у музеју В&А у Лондону.

Музеј В&А у Лондону у својој колекцији има пет бележница Леонарда да Винција. Ову, познату као Цодек Форстер ИИИ, користио је Леонардо да Винци између 1490. и 1493. године када је радио у Милану за војводу Лудовика Сфорцу.

То је мала бележница, величине коју бисте лако могли држати у џепу капута. Испуњен је разним идејама, белешкама и скицама, укључујући „скице коњских ногу, цртеже капе и одећу која су можда биле идеје за костиме на баловима и приказ анатомије човека глава."¹ Иако не можете да окренете странице свеске у музеју, можете их листати на мрежи.

Читање његовог рукописа није лако, између калиграфског стила и употребе огледала (уназад, здесна налево), али некима је фасцинантно видети како он ставља све врсте у једно свеска. То је радна свеска, а не изложбени пример. Ако сте икада бринули да је ваш часопис за креативност није некако правилно урађено или организовано, преузмите вођство од овог мајстора: учините то како вам треба

<sub>Извор:
1. Истражите Форстер Цодицес, В&А музеј. (Приступљено 8. августа 2010.)</sub>

„Мона Лиза“ - Леонардо да Винчи

Леонардо да ВинчиСлика "Мона Лиса", у паришком Лувру, вероватно је најпознатија слика на свету. То је вероватно и најпознатији пример сфумато, сликарска техника делимично одговорна за њен загонетни осмех.

Много се спекулише о томе ко је била жена на слици. Сматра се да је то портрет Лисе Гхерардини, супруге фирентинског трговца платном по имену Францесцо дел Гиоцондо. (Писац уметности из 16. века Васари био је међу првима који је то предложио у својим „Животима уметника“). Такође се сугерише да је разлог њеног осмеха тај што је била трудна.

Историчари уметности знају Леонардо је започео „Мона Лизу“ до 1503. године, као што је о томе те године записао високи фирентински званичник Агостино Веспуцци. Када је завршио, мање је сигурно. Лувр је слику првобитно датирао у период 1503-06, али открића направљена 2012. године сугеришу да је можда била толико велика као и деценију касније пре него што је завршен на основу позадине засноване на цртежу стена на којима се зна да је радио 1510-15.¹ Лувр је у марту 2012. променио датуме на 1503-19.

Извор:
1. Мона Лиса је могла бити завршена деценију касније него што се мислило у Тхе Арт Невспапер-у, Мартин Баилеи, 7. марта 2012. (приступљено 10. марта 2012)

Познати сликари: Монет у Гивернију

Референтне фотографије за сликање: Монеов „Башта у Гивернију“.

Део разлога због којег је импресионистички сликар Клод Моне толико познат су његове слике одсјаја у језерцима са љиљанима које је створио у својој великој башти у Гивернију. Надахњивало је много година, све до краја његовог живота. Скицирао је идеје за слике инспирисане барама, а мале и велике слике је стварао и као појединачна дела и као серије.

Потпис Клода Монеа

Овај пример како је Монет потписао своје слике је са једне од његових слика лопоча. Можете видети да га је потписао именом и презименом (Цлауде Монет) и годином (1904). Налази се у доњем десном углу, довољно далеко да га оквир не би одсекао.

Монеово пуно име било је Клод Оскар Моне.

„Импрессион Сунрисе“ - Монет

Ова Монеова слика дала је име импресионистички стил уметности. Изложио га је 1874. у Паризу, на ономе што је постало познато као Прва импресионистичка изложба.

У свом осврту на изложбу коју је назвао „Изложба импресиониста“, уметнички критичар Лоуис Лерои рекао је:

"Тапете су у ембрионалном стању готовије од морског пејзажа."

<sub>Извор:
1. "Л'Екпоситион дес Импрессионнистес" Лоуиса Лероиа, Ле Цхаривари, 25. априла 1874, Париз. Превео Јохн Ревалд у Историја импресионизма, Мома, 1946, стр. 256-61; цитирано у Салону до бијенала: Изложбе које су створиле историју уметности Бруце Алтсхулер, Пхаидон, стр42-43.</sub>

Серија „Стогови сена“ - Монет

Монет је често сликао серију исте теме како би ухватио променљиве ефекте светлости, замењујући платна како је дан одмицао.

Монет је изнова и изнова сликао многе предмете, али свака од његових слика из серије је различита, било да је то слика воденог љиљана или пласта сена. Како су Монеове слике расуте по колекцијама широм света, слике његових серија обично се виде само као групе. Срећом, Институт за уметност у Чикагу у својој колекцији има неколико Монеових слика стогова сена, које чине импресивне гледајући заједно:

• Стог пшенице
• Отопљење, залазак сунца
• Залазак сунца, ефекат снега
• Ефекат снега, облачни дан
• Крај лета

У октобру 1890. Монет је написао писмо уметничком критичару Густаву Геффроиу о сену стогова сена који је сликао, рекавши:

„Трудим се око тога, тврдоглаво радим на низу различитих ефеката, али у ово доба године сунце залази толико брзо да је немогуће пратити... што даље, све више видим да мора бити урађено много посла како би се оно што тражим: „тренутност“, „коверта“ пре свега, иста светлост ширила по свему... Све сам више опседнут потребом да пренесем оно што проживим и молим се да ми остане још неколико добрих година јер мислим да бих могао да напредујем у том правцу... " ¹

<sup>Извор: ​
1. Монет сам од себе, стр. 172, приредио Рицхард Кендалл, МацДоналд & Цо, Лондон, 1989.</sup>

„Водени љиљани“ - Клод Моне

Клод Моне, "Водени љиљани", в. 19140-17, уље на платну. Величина 65 3/8 к 56 инча (166,1 к 142,2 цм). У колекцији Музеји ликовне уметности у Сан Франциску.

Монет је можда најпознатији од импресиониста, посебно по својим сликама одсјаја у језеру са љиљанима у његовом врту у Гивернију. Ова посебна слика приказује мали комад облака у горњем десном углу и ишаране плаве небеске одсеве у води.

Ако проучите фотографије Монеовог врта, попут овог Монеовог рибњака са љиљанима и овог цвећа љиљана, и упоредите их са овом сликом, видећете стекните осећај како је Монет смањио детаље у својој уметности, укључујући само суштину сцене или утисак одраза, воде и љиљана цвет. Кликните на везу „Прикажи у пуној величини“ испод горње фотографије за већу верзију у којој је лакше стећи осећај за Монетову четку.

Француски песник Паул Цлаудел рекао је:

„Захваљујући води, [Монет] је постао сликар онога што не можемо да видимо. Обраћа се тој невидљивој духовној површини која раздваја светлост од рефлексије. Прозрачни азурни течни азурни... Боја се диже са дна воде у облацима, у вировима “.

^Извор:
Страница 262 Уметност нашег века, Јеан-Лоуис Ферриер и Ианн Ле Пицхон

Потпис Цамилле Писсарро

Сликар Цамилле Писсарро има тенденцију да буде мање познат од многих његових савременика (као што је Монет), али има јединствено место на уметничкој хронологији. Радио је и као импресиониста и неоимпресиониста, као и утичући на сада познате уметнике попут Сезана, Ван Гога и Гогена. Био је једини уметник који је излагао на свих осам уметничких дела Изложбе импресиониста у Паризу од 1874. до 1886. године.

Ван Гогхов аутопортрет (1886/1887)

Ово портрет од стране Винсент Ван Гог налази се у колекцији Арт Институте оф Цхицаго. Насликана је у стилу сличном поентилизму, али се не држи строго само тачака.

За две године колико је живео у Паризу, од 1886. до 1888. године, Ван Гогх је насликао 24 аутопортрета. Институт за уметност у Чикагу описао је овај рад као примену Сеуратове „тачкасте технике“ не као научну методу, већ као „интензиван емоционални језик "у којем" црвене и зелене тачке узнемирују и потпуно у складу са нервном напетошћу евидентном у Ван Гогховом поглед “.

У писму неколико година касније својој сестри Вилхелмини, Ван Гогх је написао:

"У последње време насликао сам две слике, од којих једна има прилично прави карактер, мислим, иако би се у Холандији вероватно ругали идејама о портретном сликарству које клијају ево... Увек мислим да су фотографије гнусне и не волим да их имам у близини, посебно не оних које познајем и волим... фотографски портрети увену много раније него ми сами, док је насликани портрет ствар која се осећа, ради с љубављу или поштовањем према човеку који се приказује. "

Извор:
Писмо Вилхелмини ван Гогх, 19. септембра 1889

Потпис Винцента ван Гогха

Тхе Нигхт Цафе аутора Ван Гогха сада се налази у колекцији уметничке галерије Универзитета Иале. Познато је да је Ван Гогх потписао само оне слике којима је био посебно задовољан, али оно што је необично у случају ове слике је то што је испод свог потписа додао наслов „Ле цафе де Нуит“.
Приметите да је Ван Гогх своје слике потписао једноставно „Винцент“, а не „Винцент ван Гогх“ нити „Ван Гогх“.

У писму свом брату Тхеу, написаном 24. марта 1888, рекао је:

„У будућности би моје име требало да се стави у каталог док га потписујем на платну, наиме Винцент, а не Ван Гогх, из простог разлога што овде не знају како да изговоре ово друго име.“

"Овде" је Арлес, на југу Француске.
Ако сте се питали како изговорите Ван Гогх, сетите се да је то холандско презиме, а не француско или енглеско. Дакле, изговара се „Гогх“, па се римује са шкотским „лоцх“. Није "гофф" ни "го".

Звездана ноћ - Винцент ван Гогх

Ова слика, која је вероватно најпознатија слика Винцента ван Гогха, налази се у колекцији Музеј модерне уметности у Њу Јорку.
Ван Гогх је сликао Звездана ноћ у јуну 1889, поменувши јутарњу звезду у писму свом брату Тхеу написаном око 2. јуна 1889: „Јутрос сам видео земљу са мог прозора много времена пре изласка сунца, без ичега осим јутарње звезде, која је изгледала веома велика. "Јутарња звезда (заправо планета Венера, а не звезда) обично се сматра великом белом бојом насликаном лево од средишта слике.
Ранија Ван Гогова писма такође помињу звезде и ноћно небо и његову жељу да их наслика:

1. „Када ћу икада доћи до звезданог неба, оне слике која ми је увек у мислима?“ (Писмо Емилеу Бернарду, око 18. јуна 1888)
2. „Што се тиче звезданог неба, надам се много да га сликам, а можда и хоћу једног дана“ (Писмо Теу ван Гогху, око 26. септембра 1888).
3. „Тренутно апсолутно желим да сликам звездано небо. Често ми се чини да је ноћ ипак богатије обојена од дана; имају нијансе најинтензивније љубичице, плаве и зелене. Ако само обратите пажњу на то, видећете да су неке звезде лимунско жуте, друге ружичасте или зелене, плаве и незаборавне... очигледно је да стављање малих белих тачака на плаво-црно није довољно за осликавање звезданог неба. “(Писмо Вилхелмини ван Гогх, 16. септембра 1888)

Рестаурант де ла Сирене, код Асниерес - Винцент ван Гогх

Ова слика Винцента ван Гогха налази се у колекцији музеја Асхмолеан у Окфорду у Великој Британији. Ван Гогх ју је насликао убрзо након што је стигао у Париз 1887. године да живи са својим братом Тхеом на Монтмартру, где је Тхео управљао уметничком галеријом.
Винцент је први пут био изложен сликама импресиониста (посебно Монета) и упознао је уметнике као што су Гоген, Тоулоусе-Лаутрец, Емиле Бернард и Писсарро. У поређењу са његовим претходним радом, којим су доминирали тамни земљани тонови типични за северноевропске сликаре попут Рембрандта, ова слика показује утицај ових уметника на њега.
Боје које је користио су се осветлиле и разведриле, а његов рад четкицама постао је рахлији и очигледнији. Погледајте ове детаље са слике и видећете како је користио мале потезе чисте боје, издвојене. Не меша боје на платну, али дозвољава да се то догоди у оку гледаоца. Испробава сломљена боја приступ импресиониста.
У поређењу са његовим каснијим сликама, траке боја су раздвојене, а између њих се приказује неутрална подлога. Још увек не прекрива цело платно засићеном бојом, нити искоришћава могућности употребе четкица за стварање текстуре у самој боји.

Рестаурант де ла Сирене, ат Асниерес, Винцент ван Гогх (Детаљ)

Ови детаљи са Ван Гогхове слике Рестаурант де ла Сирене, у Асниересу (у колекцији Музеја Асхмолеан), показују како је он експериментирао са својим четкама и жиговима након излагања сликама импресиониста и других савремених Парижана уметници.

„Четири плесачице“ - Едгар Дегас

Едгар Дегас, Четири плесачице, в. 1899. Уље на платну. Величина 59,1 к 71 инча (151,1 к 180,2 цм). У Национална галерија уметности, Васхингтон.

„Портрет мајке уметника“ - Вислер

Ово је вероватно најпознатија Вистлерова слика. Његов пуни наслов је „Аранжман у сивој и црној боји бр. 1, Портрет мајке уметника“. Његова мајка је пристала да позира за слику када се манекенка Вхистлер разболела. У почетку ју је замолио да позира стојећи, али као што видите он је попустио и пустио је да седне.
На зиду је гравура Вхистлера, „Пристаниште црног лава“. Ако врло пажљиво погледате завесу горе лево на оквиру бакрописа видећете светлије мрље, то је симбол лептира који је Вхистлер користио за потписивање својих слика. Симбол није увек био исти, али се променио и његов облик се користи за датирање његовог уметничког дела. Познато је да је почео да га користи до 1869.

„Нада ИИ“ - Густав Климт

„Ко жели да зна нешто о мени - као уметнику, једино што је запажено - требало би да пажљиво погледа моје слике и покуша на њима да види шта сам и шта желим да радим.“ Климт.

Густав Климт је сликао Нада ИИ на платну 1907/8. године користећи уљане боје, злато и платину. Величина је 43,5 к 43,5 "(110,5 к 110,5 цм). Слика је део колекције Музеј модерне уметности у Њу Јорку.
Нада ИИ је леп пример за Климтова употреба златног листића на сликама и његов богат орнаментални стил. Погледајте начин на који је сликао одећу коју је носила главна фигура, како је то апстрактни облик украшен круговима, а ми га још увек „читамо“ као огртач или хаљину. Како се на дну стапа са три остала лица.
У својој илустрованој биографији о Климту, уметнички критичар Франк Вхитфорд рекао је:

Климт "је применио право злато и сребрни лист како би још више појачао утисак да слика је драгоцени предмет, а не огледало у којем се може видети природа, већ пажљиво обрађени артефакт. " ²

То је симболика која се и данас сматра важећом с обзиром на то да се злато и даље сматра вредном робом.
Климт је живео у Бечу у Аустрији и инспирацију је црпио више са Истока него са Запада, из „таквих извора као Византијска уметност, микенске металне конструкције, перзијски ћилими и минијатуре, мозаици равенских цркава и јапански екрани “. ³
Извор:
1. Уметници у контексту: Густав Климт Франк Вхитфорд (Цоллинс & Бровн, Лондон, 1993), задња корица.
2. Ибид. п82.
3. МоМА Хигхлигхтс (Музеј модерне уметности, Њујорк, 2004.), стр. 54

Потпис Пикаса

Ово је потпис Пикасо на својој слици из 1903. (из његовог плавог периода) под насловом „Пијац апсинта“.
Пикасо је експериментисао са разним скраћеним верзијама свог имена као свог сликарског потписа, укључујући заокружио иницијале, пре него што је кренуо на „Пабло Пицассо“. Данас га углавном чујемо као једноставног „Пикасо“.

Његово пуно име било је: Пабло, Диго, Хосе, Францисцо де Паула, Јуан Непомуцено, Мариа де лос Ремедиос, Циприано, де ла Сантисима Тринидад, Руиз Пицассо¹.
​
<sub>Извор:
1. „Збир деструкција: Пикасове културе и стварање кубизма“, ауторке Наташе Сталлер. Иале Университи Пресс. Страница п209.</sub>

„Пијац абсинта“ - Пикасо

Ову слику је Пицассо створио 1903. године, током његовог Плавог периода (доба када су тонови плаве боје доминирали на Пицассовим сликама; када је имао двадесет година). На њему је уметник Ангел Фернандез де Сото, који је био одушевљенији забавом и пићем него његова слика¹, и који је у два наврата делио студио са Пикасом у Барселони.
Слику је на аукцији у јуну 2010. године дала фондација Андрев Ллоид Веббер након што је у САД постигнута вансудска нагодба о власништву, након тврдње потомака немачко-јеврејског банкара Паула вон Менделссохн-Бартхолдија да је слика била под принудом 1930-их за време нацистичког режима год. Немачка.

<sub>Извор:
1. Аукцијска кућа Цхристие'с Саопштење, „Цхристие'с нуди Пикасово ремек-дело“, 17. марта 2010.</sub>

„Трагедија“ - Пикасо

Пабло Пикасо, Трагедија, 1903. Уље на дрвету. Величина 41 7/16 к 27 3/16 инча (105,3 к 69 цм). У Национална галерија уметности, Васхингтон.

То је из његовог плавог периода, када је на његовим сликама, као што и само име говори, доминирао блуз.

Скица Пикаса за његову чувену слику "Герника"

Док је планирао и радио на својој огромној слици Гуерница, Пицассо је радио многе скице и студије. На фотографији је један његов састав скице, што само по себи не личи много, збирка цртаних линија.

Уместо да покушавате да дешифрујете шта би све могле бити и где се налази на завршној слици, сматрајте то Пицассовом скраћеницом. Једноставно израда ознака за слике које је држао у свом уму. Усредсредите се на то како он користи ово да одлучи где ће поставити елементе на слици, на интеракцију између ових елемената.

„Герника“ - Пикасо

Ова чувена Пицассова слика је огромна: висина од 3,5 к 7,76 метара, висине 11 стопа и 6 инча, ширине од 25 стопа и 8 центиметара. Пикасо га је насликао по наруџби за шпански павиљон на Светском сајму 1937. у Паризу. Налази се у Мусео Реина Софиа у Мадриду, Шпанија.

„Портрет господина Мингуела“ - Пикасо

Пикасо је ову портретну слику направио 1901. године када је имао 20 година. Тема је каталонски кројач, господин Мингуелл, за којег се верује да је Пикаса упознао његов трговац уметницима и пријатељ Педро Манацх¹. Стил показује обуку коју је Пикасо имао у традиционалном сликарству и колико се његов стил сликања развијао током његове каријере. То што је насликано на папиру знак је да је то учињено у време када је Пикасо био сломљен, још увек није зарадио довољно новца од своје уметности да слика на платну.

Пикасо је Мингуелу поклонио слику, али је касније купио и још је имао кад је умро 1973. године. Слика је постављена на платно и вероватно такође рестаурирана под Пикасовим руководством „негде пре 1969. године“², када је снимљен за књигу Цхристиана Зервоса на Пицассо-у.

Следећи пут ћете бити у једној од оних расправа на вечери о томе како сви нереалистички сликари само сликају апстрактан, кубиста, фависта, импресиониста, одаберите свој стил јер не могу да направе „праве слике“, питајте особу да ли је Пикаса ставио у ову категорију (већина их чини), а затим спомените ову слику.

_{Извор:
1 & 2. Продаја Бонхамс-а 17802 Детаљи лота Продаја импресиониста и модерне уметности 22. јуна 2010. (Приступљено 3. јуна 2010.)}

„Дора Маар“ или „Тете Де Фемме“ - Пикасо

Када је продата на аукцији у јуну 2008. године, ова слика Пикаса продата је за 7.881.250 фунти (15.509.512 америчких долара). Процена на аукцији била је три до пет милиона фунти.

Лес Демоиселлес д'Авигнон - Пикасо

Ова огромна Пицассова слика (скоро осам квадратних стопа) најављена је као једно од најважнијих дела модерне уметности икад створене, ако не тхе најважније, пресудна слика у развоју модерне уметности. Слика приказује пет жена - проститутки у јавној кући - али постоји много расправа о томе шта све то значи и свим референцама и утицајима у њему.
Уметнички критичар Јонатхан Јонес¹ каже:

„Оно што је Пицасса погодило у вези с афричким маскама [видљиво на лицима са десне стране] је најочигледнија ствар: да вас маскирају, претворе у нешто друго - животињу, демона, а Бог. Модернизам је уметност која носи маску. Не каже шта то значи; то није прозор већ зид. Пикасо је одабрао своју тему управо зато што је то био клише: желео је да покаже да оригиналност у уметности не лежи у нарацији или моралу, већ у формалном изуму. Због тога је погрешно гледати Лес Демоиселлес д'Авигнон као слику 'о' јавним кућама, проституткама или колонијализму. "

Извор:
1. Пабло'с Пункс Јонатхан Јонес, Старатељ, 9. јануара 2007.

„Жена са гитаром“ - Георгес Бракуе

Георгес Бракуе, Жена са гитаром, 1913. Уље и угаљ на платну. 51 к 1/4 к 28 3/4 инча (130 к 73 цм). У Мусее Натионал д'Арт Модерне, Центар Георгес Помпидоу, Париз.

Црвени студио - Хенри Матиссе

Ова слика се налази у колекцији Музеј модерне уметности (Мома) у Њу Јорку. Приказује унутрашњост Матиссовог сликарског атељеа, спљоштене перспективе или једне равни слике. Зидови његовог студија заправо нису били црвени, већ бели; цртеж је на својој слици користио за ефекат.
У његовом атељеу су изложена разна његова уметничка дела и делови студијског намештаја. Обриси намештаја у његовом атељеу су линије у боји која открива боју доњег, жутог и плавог слоја, а није обојена на врху црвене боје.

1. „Угаоне линије сугеришу дубину, а плавозелено светло прозора појачава осећај унутрашњег простора, али пространство црвене боје поравнава слику. Матиссе појачава овај ефекат, на пример, изостављањем вертикалне линије угла собе “.
- МоМА Хигхлигхтс, објавио Мома, 2004., страница 77.

2. "Сви елементи... потопи своје индивидуалне идентитете у оно што је постало продужена медитација о уметности и животу, простору, времену, перцепцији и природи саме стварности... раскрсница западњачког сликарства, где је класична спољашња, претежно репрезентативна уметност прошлости сусрела привремени, интернализовани и самореференцијални етос будућности... "
- Хилари Спурлинг,, страна 81.

Плес - Хенри Матиссе

На горњој фотографији је Матиссеова готова слика са насловом Плес, завршен 1910. године и сада у Државном музеју Ермитаж у Санкт Петербургу, Русија. Доња фотографија приказује композициону студију у пуној величини коју је направио за слику, у којој је сада МОМА у Њујорку, САД. Матис га је насликао по наруџби руског колекционара уметнина Сергеја Шчукина.
То је огромна слика, широка скоро четири метра и висока два и по метра (12 '9 1/2 "к 8' 6 1/2"), а сликана је палетом ограниченом на три боје: црвена, зелена и плава. Мислим да је то слика која показује зашто Матиссе има такву репутацију колориста, посебно када упоредите студију са завршном сликом са њеним блиставим фигурама.
У својој биографији Матиссе (на страни 30), Хилари Спурлинг каже:

„Они који су видели прву верзију Данце описао је као блед, нежан, чак и попут снова, обојен бојама које су појачане... у другој верзији у жестоки, равни фриз ликова вермилиона који вибрира на тракама јарко зелене и неба. Савременици су слику видели као паганску и дионизијску “.

Обратите пажњу на спљоштену перспективу, како су фигуре исте величине, а не оне које су даље од тога да буду мање, као што би се то догодило у перспективи или у раширеном приказивању репрезентативних слика. Како је закривљена линија између плаве и зелене иза фигура, одјекујући кругом фигура.

„Површина је била обојена до засићења, до тачке када је плава, идеја апсолутне плаве боје, била пресудно присутна. Жарко зелена за земљу и живахна киша за тела. Са ове три боје имао сам свој склад светлости, а такође и чистоћу тона. “- Матиссе

Извор:
„Увод у изложбу Фром Руссиан Руссиан за наставнике и студенте“, Грег Харрис, Краљевска академија уметности, Лондон, 2008.

Познати сликари: Виллем де Коонинг

Сликар Вилем де Коонинг рођен је у Ротердаму у Холандији 24. августа 1904. године, а умро је на Лонг Ајленду у Њујорку 19. марта 1997. године. Де Коонинг је био приправник за комерцијалну уметност и декорацију када је имао 12 година и похађао је вечерњу наставу на Ротердамској академији за ликовну уметност и технике осам година. Емигрирао је у САД 1926. године, а 1936. године почео је пуно сликати.

Де Коонингов сликарски стил био је апстрактни експресионизам. Прву самосталну изложбу имао је у галерији Цхарлес Еган у Њујорку 1948. године, са делом у црно-белој боји емајла. (Почео је да користи емајл боју јер није могао да приушти уметничке пигменте.) До 1950-их је препознат као један од вођа апстрактног експресионизма, мада су неки пуристи тог стила мислили да су његове слике (као нпр његов Жена серије) укључују превише људског облика.

Његове слике садрже много слојева, елементи који се преклапају и скривају док је прерађивао и прерађивао слику. Дозвољено је приказивање промена. На својим платнима цртао је угљеном опсежно, за почетну композицију и док је сликао. Његов рад четкицама је гестуално, изражајно, дивље, са осећајем енергије иза потеза. Завршне слике су урађене, али нису.

Де Коонингов уметнички рад трајао је готово седам деценија и обухваћао је слике, скулптуре, цртеже и графике. Његове последње слике Извор су касних 1980-их. Његове најпознатије слике су Пинк Ангелс (ц. 1945), Ископавање (1950), а његов трећи Жена серија (1950–53) рађена у сликарскијем стилу и импровизационом приступу. Четрдесетих година је истовремено радио у апстрактном и репрезентативном стилу. Његов пробој постигао је својим црно-белим апстрактним композицијама 1948–49. Средином 1950-их сликао је урбане апстракције, враћајући се фигурацији 1960-их, а затим великим гестуалним апстракцијама 1970-их. Осамдесетих година прошлог века, Де Коонинг се пребацио на рад на глатким површинама, застакљујући јарким, прозирним бојама преко фрагмената гестуалних цртежа.

Америчка готика - Грант Воод

америчка готика је вероватно најпознатија од свих слика које је амерички уметник Грант Воод икада створио. Сада је у Чикашком уметничком институту.

Грант Воод насликао је „Америчку готику“ 1930. Приказује мушкарца и његову ћерку (не његову супругу¹) који стоје испред њихове куће. Грант је у Елдону у Ајови видео зграду која је инспирисала слику. Архитектонски стил је америчка готика, због чега слика и добија свој наслов. Модели за слику биле су Воодова сестра и њихов зубар.². Слика је потписана близу доње ивице, на мушком комбинезону, са именом и годином уметника (Грант Воод 1930).

Шта значи слика? Воод је то намеравао да буде достојанствено приказивање карактера средњозападних Американаца, показујући њихову пуританску етику. Али то би се могло сматрати коментаром (сатиром) на нетрпељивост сеоског становништва према странцима. Симболика на слици укључује тежачки рад (виле) и домаћинство (саксије са цвећем и прегача са колонијалним печатом). Ако пажљиво погледате, видећете како три зуба вила одјекују у шавовима на човековом комбинезону, настављајући пруге на кошуљи.

^{Извор:
америчка готика, Арт Институте оф Цхицаго, преузето 23. марта 2011.}

„Христос Светог Јована од Крста“ - Салвадор Дали

Ова слика аутора Салвадор дали налази се у колекцији Уметничка галерија и музеј Келвингрове у Глазгову, у Шкотској. Први пут је приказан у галерији 23. јуна 1952. Слика је купљена за 8.200 фунти, што је сматрано високом ценом иако је укључивала ауторска права која су галерији омогућила зараду за репродукцију (и продају безброј разгледница!).
Дали је било необично да продаје ауторска права на слику, али новац му је био потребан. (Ауторска права остају уметнику уколико нису потписана, видите Честа питања о ауторским правима извођача.)

"Очигледно у финансијским потешкоћама, Дали је у почетку тражио 12.000 фунти, али након тешких преговора... продао га је за готово трећину мање и потписао писмо граду [Глазгову] 1952. уступајући ауторска права.

Наслов слике је референца на цртеж који је инспирисао Далија. Цртање оловком и мастилом извршено је након визије коју је имао свети Јован од Крста (шпански фратар кармелићанин, 1542–1591) у којој је видео Христово распеће као да га гледа одозго. Композиција је упечатљива својим необичним гледиштем на распеће Христово, осветљење је драматично бацајуће јако сенке, и од велике користи ракурс на слици. Предео на дну слике је лука Далијевог родног града, Порт Ллигат у Шпанији.
Слика је у много чему контроверзна: износ који је за њу плаћен; предмет; стил (који се пре појавио ретро него модеран). Прочитајте више о слици на веб страници галерије.

Извор:
"Надреални случај слика Дали и битка за уметничку лиценцу"Северин Царрелл, Старатељ, 27. јануара 2009

Лименке Цампбеллове чорбе - Анди Вархол

Детаљ од Андија Вархола Цампбелл-ове конзерве за супу. Акрил на платну. 32 слике свака величине 20к16 "(50,8к40,6 цм). У колекцији Музеј модерне уметности (МоМА) у Њу Јорку.
Вархол је први пут изложио своју серију Цампбелл-ових лименки супа 1962. године, при чему је дно сваке слике лежало на полици попут лименке у супермаркету. У серији постоје 32 слике, колико је сорта супе у то време продала Цампбелл'с.
Ако сте замислили да Вархол спрема своју оставу лименкама супе, онда једе конзерву док је завршио сликање, изгледа да није. Према Моминој веб локацији, Вархол је користио листу производа компаније Цампбелл да би свакој слици доделио другачији укус.
На питање о томе, Вархол је рекао:

„Некад сам га пио. Некада сам ручао сваки дан, двадесет година, претпостављам, исту ствар изнова и изнова “.¹

Вархол такође очигледно није имао наруџбину у којој је желео да се слике приказују. Мома приказује слике „у редовима који одражавају хронолошки редослед увођења [супе], почев од„ Парадајз “у горњем левом углу, који је дебитовао 1897.“

Дакле, ако сликате серију и желите да се приказују одређеним редоследом, обавезно то негде забележите. Задња ивица платна је вероватно најбоља јер се тада неће одвојити од слике (мада се може сакрити ако су слике уоквирене).
Вархол је уметник којег сликари често спомињу желећи да направе изведена дела. Пре сличних ствари вреди напоменути две ствари:

1. на Момина веб локација, постоји назнака лиценце компаније Цампбелл'с Соуп Цо (тј. уговора о лиценцирању између компаније за супе и имања уметника).
2. Чини се да примена ауторских права у Ворхолово време није била мањи проблем. Не правите претпоставке о ауторским правима на основу Вархоловог дела. Истражите и одлучите који сте ниво забринутости због могућег случаја кршења ауторских права.

Цампбелл није наручио Вархола да ради слике (иако су накнадно наручили једну за пензионисаног председника одбора 1964.) и имао забринутости када се марка појавила на Вархоловим сликама 1962. године, усвојивши приступ чекања да се процени какав је био одговор на слике. 2004., 2006. и 2012. године Цампбелл је продавао лименке са посебним Вархоловим пригодним етикетама.

<sub>Извор:
1. Како се цитира даље Мома, приступљено 31. августа 2012.</sub>

Већа дрвећа у близини Вартера - Давид Хоцкнеи

Врх: Уметник Давид Хоцкнеи стоји уз део своје уљане слике "Већа дрвећа у близини Вартера", коју је поклонио Тате Бритаин у априлу 2008.
Дно: Слика је први пут изложена на Летњој изложби 2007. године на Краљевској академији у Лондону, заузимајући цео зид.
Уљана слика Давида Хоцкнеи-а „Већа дрвећа у близини Вартера“ (такође названа Пеинтуре на Плеин Аир-у за пост-Пхотограпхикуе) приказује сцену у близини Бридлингтона у Јоркширу. Слика направљена од 50 платна поређаних једно уз друго. Све у свему, укупна величина слике је 4,6к12 метара (40к15 стопа).
У време када га је Хоцкнеи насликао, био је то највећи комад који је икад довршио, мада не и први који је створио користећи више платна.

" Урадио сам то јер сам схватио да то могу без мердевина. Када сликате, морате бити у могућности да се вратите уназад. Па, постоје уметници који су убијени одмичући се од мердевина, зар не?"
- Хоцкнеи цитирано у а Реутер вест, 7. април 2008.

Хоцкнеи је цртежима и рачунаром помогао у композицији и сликању. Након завршетка одељка, направљена је фотографија како би могао да види целу слику на рачунару.

„Прво је Хоцкнеи скицирао мрежу која показује како ће се сцена уклопити преко 50 паноа. Тада је почео да ради на појединачним плочама ин ситу. Док је радио на њима, фотографисани су и од њих је направљен рачунарски мозаик како би могао да забележи свој напредак, јер је истовремено могао да има само шест панела на зиду “.

Извор:
Цхарлотте Хиггинс, старатељ уметнички дописник, Хоцкнеи поклања Тате огроман рад, 7. априла 2008.

Ратне слике Хенрија Моореа

Тхе Изложба Хенри Мооре у галерији Тате Бритаин у Лондону трајало је од 24. фебруара до 8. августа 2010.

Британски уметник Хенри Мооре најпознатији је по својим скулптурама, али познат и по мастилу, воску и водене слике људи који су се склонили у лондонске подземне станице током Другог светског рата. Мооре је био званични ратни уметник, а 2010 Изложба Хенри Мооре у галерији Тате Бритаин има собу посвећену овима. Направљен између јесени 1940. и лета 1941. године, његови прикази уснулих фигура стиснути у возу тунели су ухватили осећај тескобе који је трансформисао његову репутацију и утицао на популарну перцепцију Блитз. Његов рад педесетих година одражавао је последице рата и перспективу даљег сукоба.
Мооре је рођен у Иорксхиреу и студирао је на уметничкој школи у Леедсу 1919, након служења у Првом светском рату. 1921. године добио је стипендију за Краљевски колеџ у Лондону. Касније је предавао на Краљевском колеџу као и на уметничкој школи у Челсију. Од 1940. Мооре је живио у Перри Греен-у у Хертфордсхире-у, сада дому Фондација Хенри Мооре. На бијеналу у Венецији 1948. године, Мооре је освојио Међународну награду за скулптуру.

"Франк" - Цхуцк Цлосе

"Франк" Цхуцка Цлосеа, 1969. Акрил на платну. Величина 108 к 84 к 3 инча (274,3 к 213,4 к 7,6 цм). У Миннеаполис Институте оф Арт.

Луциан Фреуд Аутопортрет и Пхото Портраит

Уметник Луциан Фреуд је познат по свом интензивном, немилосрдном погледу, али како овај аутопортрет показује, окреће га себи, а не само својим моделима.

1. „Мислим да сјајан портрет има везе са... осећај и индивидуалност и интензитет погледа и усредсређеност на одређено “. ¹
2. „... мораш да покушаш да се насликаш као друга особа. Са аутопортретима 'сличност' постаје друга ствар. Морам да радим оно што осећам, а да не будем експресиониста “. ²

<sup>Извор:
1. Луциан Фреуд, цитирано у Фреуд на делу п32-3. 2. Луциан Фреуд, цитирано у Луциан Фреуд-у од Виллиам Феавер-а (Тате Публисхинг, Лондон 2002), стр.</sup>

"Отац Мона Лизе" - Ман Раи

„Отац Мона Лизе“ Ман Реја, 1967. Репродукција цртежа постављеног на фибербоард, са додатком цигаре. Величина 18 к 13 5/8 к 2 5/8 инча (45,7 к 34,6 к 6,7 цм). У колекцији Музеј Хирсхорн.
Многи људи Ман Реја повезују само са фотографијом, али он је такође био уметник и сликар. Био је пријатељ са уметником Марцелом Дуцхампом и радио је у сарадњи са њим.
У мају 1999. год. Арт Невс магазин је Ман Реја уврстио на своју листу 25 најутицајнијих уметника 20. века, због његове фотографије и „истраживања филма, сликарства, скулптуре, колажа, асемблажа. Ти прототипи би се на крају назвали уметност перформанса и концептуална уметност “.

Арт Невс је рекао:

„Ман Раи је уметницима у свим медијима понудио пример креативне интелигенције која је, у својој„ потрази за задовољством и слободом “[Ман Раи'с изјавио као водећу принципи] откључао свака врата до којих је дошао и слободно ходао тамо где би хтео. "(Извор цитата: Арт Невс, мај 1999.,„ Свесни провокатор "од А.Д. Цолеман.)

Овај комад „Отац Мона Лизе“ показује како релативно једноставна идеја може бити ефикасна. Најтежи део је пре свега доћи на идеју; понекад долазе као блиц инспирације; понекад као део мозгања идеја; понекад развијањем и спровођењем концепта или мисли.

Познати сликари: Ивес Клеин

Ретроспектива: Изложба Ивес Клеин-а у музеју Хирсххорн у Вашингтону, САД, од 20. маја 2010. до 12. септембра 2010.

Уметник Ивес Клеин је вероватно најпознатији по својим монохроматским уметничким делима у којима се појављује његова посебна плава боја (види, на пример, "Жива четка за боје"). ИКБ или Интернатионал Клеин Блуе је ултрамаринска плава коју је формулисао.

Назвавши себе „сликаром простора“, Клајн је тежио да чистом бојом постигне нематеријалну духовност “и бавио се„ савременим појмовима концептуалне природе уметности “¹.

Клеин је имао релативно кратку каријеру, мање од десет година. Његов први јавни рад била је књига уметника Ивес Пеинтурес („Ивес Паинтингс“), објављено 1954. године. Његова прва јавна изложба била је 1955. Преминуо је од срчаног удара 1962. године, у 34. години. (Временска линија Клеиновог живота од Архива Ивес Клеин.)

<sub>Извор:
1. Ивес Клеин: Са празнином, пуне моћи, музеј Хирсххорн, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? кеи = 21 & субкеи = 252, приступљено 13. маја 2010.</sub>

"Жива четка за сликање" - Ив Клајн

Ова слика француског уметника Ивес Клеин (1928-1962) једна је од серија које је користио „живе четке за боје“. Голе женске моделе покривао је својом потписом плавом бојом (Интернатионал Клеин Блуе, ИКБ), а затим у делу перформанса пред публиком која је њима „сликала“ на великим листовима папира режирајући их вербално.
Наслов "АНТ154" изведен је из коментара уметничког критичара Пиерре Рестани-а који описује слике настале као „антропометрије плавог периода“. Клеин је користио акроним АНТ као серију наслов.

Црна слика - Ад Реинхардт

„Постоји нешто погрешно, неодговорно и безумно у боји; нешто немогуће контролисати. Контрола и рационалност су део мог морала “. - Ад Реинхард 1960 ¹

Ова монохроматска слика америчког уметника Ад Реинхардта (1913-1967) налази се у Музеју модерне уметности (Мома) у Њујорку. Величина је 60к60 "(152,4к152,4 цм), уље на платну, а сликана је 1960-61. Последњу деценију и део свог живота (умро је 1967. године), Реинхардт је на својим сликама користио само црну боју.
Ами Сиа, који је снимио фотографију, каже да судски послужитељ истиче како је слика подељена на девет квадрата, сваки различите нијансе црне.
Не брините ако то не видите на фотографији. Тешко је видети чак и када сте испред слике. У њу есеј о Реинхардту за Гуггенхеим-а Нанци Спецтор описује Реинхардтова платна као „пригушене црне квадрате који садрже једва уочљиве крстасте облике [који] изазивају границе видљивости“ ².
<sup>Извор:
1. Боја у уметности Јохн Гаге, п205
2. Реинхардт Нанци Спецтор, Музеј Гуггенхеим (приступљено 5. августа 2013)</sup>

Лондонска слика Џона Врлине

Британски уметник Јохн Виртуе сликао је апстраховане пејзаже само црно-белим од 1978. На ДВД-у који је произвела Лондонска национална галерија, Врлина каже да га рад у црно-белој техници приморава „да буде инвентиван... да поново измисли“. Избегавање боје “се продубљује мој осећај о томе која боја постоји... Осећај заправо онога што видим... најбољи је и тачније и прецизније пренесен ако немам палету уља боје. Боја би била слепа улица “.
Ово је једна од лондонских слика Џона Виртуа, рађена док је био сарадник уметника у Националној галерији (од 2003. до 2005.). Тхе Веб локација Националне галерије описује слике Врлине као да имају „афинитете са оријенталним сликањем киста и америчким апстрактним експресионизмом“ и блиско се односе на „велики енглески пејзажни сликари, Тарнер и Цонстабле, којима се Врлина изузетно диви ", као и под утицајем„ холандских и фламанских пејзажа Руисдаел, Конинцк и Рубенс ".
Врлина његовим сликама не даје наслове, већ само бројеве. У интервјуу у издању из априла 2005 Уметници и илустратори, Виртуе каже да је почео да хронолошки броји своја дела још 1978. године када је почео да ради у монохрому:

„Не постоји хијерархија. Није важно да ли је 28 стопа или три инча. То је невербални дневник мог постојања “.

Његове слике називају се само "Пејзаж бр. 45" или "Пејзаж бр. 630" и тако даље.

Канта за уметност - Мицхаел Ланди

Изложба Арт Бин уметника Мицхаел Ланди-а одржана је у Галерија Јужног Лондона од 29. јануара до 14. марта 2010. Концепт је огроман (600м³) канта за смеће уграђена у простор галерије, у којој се уметност баца, „споменик креативном неуспеху“¹.
Али не било која стара уметност; морали сте да се пријавите да бисте своју уметност бацили у канту, било на мрежи или у галерији, при чему је Мицхаел Ланди или један од његових представника одлучивао да ли може бити укључена или не. Ако буде прихваћен, бачен је у канту са куле на једном крају.

Када сам био на изложби, бачено је неколико комада, а особа која је бацала имала је много вежбања од начина на који је успео да натера једну слику да клизи право на другу страну контејнер.
Интерпретација уметности креће путем када / зашто се уметност сматра добром (или смећем), субјективношћу у вредност која се приписује уметности, чину сакупљања уметничких дела, моћи колекционара уметничких дела и галерија да направе или сломе уметника каријере.

Свакако је било занимљиво ходати по странама гледајући шта је убачено, шта се поломило (пуно комадића полистирена), а шта није (већина слика на платну била је цела). Негде на дну налазио се велики отисак лобање украшен стаклом Дамијена Херста и комад Трацеи Емин. На крају, оно што би могло бити рециклирано би било (на пример носила за папир и платно), а остало предодређено за одлазак на депонију. Покопан као смеће, вероватно да га археолог неће ископати вековима.

_{Извор:
1&2. # Мицхаел Ланди: Арт Бин ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? ид = 164), веб локација галерије Јужни Лондон, приступљено 13. марта 2010.}

Барацк Обама - Схепард Фаиреи

Ову слику америчког политичара Барака Обаме, колаж са шаблонским медијима, креирао је улични уметник из Лос Ангелеса, Схепард Фаиреи. Била је то централна портретна слика коришћена у Обаминој председничкој предизборној кампањи 2008. године, а дистрибуирана је у ограниченом издању и бесплатном преузимању. Сада се налази у Националној галерији портрета у Вашингтону.

1. „Да би створио свој Обамин постер (што је и учинио за мање од недељу дана), Фаиреи је зграбио новинску фотографију кандидата са Интернета. Тражио је Обаму који је изгледао председнички... Уметник је потом поједноставио линије и геометрију, користећи црвену, белу и плаву патриотску палету (са којом се поиграва тако што белу чини беж, а плаву пастелну нијансу)... подебљане речи ...
2. „Његови Обамини плакати (и мноштво његових комерцијалних и ликовних дела) прерађују технике револуционарни пропагандисти - светле боје, подебљана слова, геометријска једноставност, херојске позе “.

Извор: ​
„Обамина подршка на зиду“ Аутор Виллиам Боотх, Вашингтон пост 18. маја 2008.

„Реквијем, беле руже и лептири“ - Дамиен Хирст

Британски уметник Дамиен Хирст најпознатији је по животињама сачуваним у формалдехиду, али у раним 40-има вратио се у уље на платну. У октобру 2009. године први пут је у Лондону изложио слике настале између 2006. и 2008. године. Овај пример још не познате слике славног уметника потиче из његове Изложба у колекцији Валлаце у Лондону под називом „Но Лове Лост“. (Датуми: 12. октобар 2009. до 24. јануар 2010.)
ББЦ Невс цитирао је Херста.

„Сада слика искључиво ручно“, да су две године његове „слике биле срамотне и нисам желео било ко да уђе. "и да је„ морао да поново научи да слика први пут откако је био тинејџерска уметност ученик."¹

У саопштењу за јавност уз Валлацеову изложбу стоји:

„„ Плаве слике “сведоче о новом смелом смеру у његовом раду; серија слика које су уметниковим речима „дубоко повезане са прошлошћу“.

Стављање боје на платно сигурно је нови смер за Хирста и тамо где Хирст иде, студенти уметности ће вероватно следити. Уље на платну могло би поново постати модерно.
Лаура Портер, Водич за путовања у Лондон за Абоут.цом, отишла је на преглед штампе Хирстове изложбе и добила одговор на једно питање које сам желео да знам: Које је плаве пигменте користио?

Лаури је речено да је "пруско плаво за све осим једне од 25 слика која је црна. "Није ни чудо што је тако тамна, тињајућа плава!
Уметнички критичар Адриан Сеарле из Старатељ није био баш наклоњен Хирстовим сликама:

„У најгорем случају, Хирстов цртеж изгледа само аматерски и адолесцентно. Његовом четкању недостаје оног смисла и потешкоће због којих верујете у сликареве лажи. Још не може да га носи “.²

<sub>Извор:
1 Хирст 'одустаје од укисељених животиња', ББЦ Невс, 1. октобра 2009
2. "Слике Дамиена Хирста су смртоносно тупе, "Адриан Сеарле, старатељ, 14. октобра 2009.</sub>

Познати уметници: Антони Гормлеи

Антони Гормлеи је британски уметник можда најпознатији по својој скулптури Ангел оф тхе Нортх, откривеној 1998. Стоји у месту Тинесиде, на североистоку Енглеске, на месту које је некада било рудник, и дочекује вас са својим 54 метра широким крилима.
У јулу 2009. године Гормлеи-јево уметничко дело на Четвртом постољу на Трафалгар Скуаре-у у Лондону видело је волонтера како стоји 100 сати на постољу, 24 сата дневно. За разлику од осталих постоља на Трафалгар Скуаре-у, четврти постоље непосредно испред Националне галерије нема на себи стални кип. Неки од учесника били су и сами уметници и скицирали су своје необично гледиште (фотографија).
Антони Гормлеи је рођен 1950. године у Лондону. Студирао је на разним колеџима у Великој Британији, а будизам у Индији и Шри Ланки, пре него што се усредсредио на скулптуру у Сладе Сцхоол оф Арт у Лондону између 1977. и 1979. Његова прва самостална изложба била је у уметничкој галерији Вхитецхапел 1981. године. Гормлеи је 1994. године освојио награду Турнер са својим „Пољем за Британска острва“.
Његова биографија о његовом веб сајт каже:

... Антони Гормлеи је ревитализовао људску слику у скулптури радикалним истраживањем тела као места сећања и трансформације, користећи сопствено тело као предмет, алат и материјал. Од 1990. године проширио је своју забринутост на људско стање на истраживање колективног тела и односа између себе и других у великим инсталацијама ...

Гормлеи не ствара тип фигуре коју ради јер не може да израђује статуе у традиционалном стилу. Уместо тога ужива у разлици и могућности коју нам дају да их протумачимо. У интервјуу за Времена¹, рекао је:

„Традиционалне статуе нису о потенцијалу, већ о нечему што је већ готово. Они имају морални ауторитет који је опресивнији него колаборативни. Моја дела признају њихову празнину “.

^{Извор:
Антони Гормлеи, Човек који је сломио калуп Јохн-Паул Флинтофф, Тхе Тимес, 2. март 2008.}

Познати савремени британски сликари

С лева на десно, уметници Боб и Роберта Смитх, Билл Воодров, Паула Рего, Мицхаел Цраиг-Мартин, Магги Хамблинг, Бриан Цларке, Цатхи де Монцхеаук, Том Пхиллипс, Бен Јохнсон, Том Хунтер, Петер Блакеи Алисон Ватт.
Повод је био разгледање слике Диана и Ацтаеон од Тизиана (невиђено, лево) у Националној галерији у Лондону, са циљем прикупљања средстава за куповину слике за галерију.

Познати уметници: Лее Краснер и Јацксон Поллоцк

Од ова два сликара, Јацксон Поллоцк је познатији од Лее Краснер, али без њене подршке и промоције његовог уметничког дела можда неће имати места на уметничкој хронологији коју има. Обоје сликани у апстрактном експресионистичком стилу. Краснер се борила за признање критике, уместо да је само сматрају Поллоцк-овом супругом. Краснер је оставио заоставштину да успостави Фондација Поллоцк-Краснер, која даје грантове визуелним уметницима.

Лествичасти штафелај Лоуис Астон Книгхт-а

Лоуис Астон Книгхт (1873-1948) био је амерички уметник рођен у Паризу познат по својим пејзажним сликама. У почетку је тренирао код оца уметника Даниела Ридгваи Книгхт-а. Први пут је излагао у Француском салону 1894. године и наставио је то чинити током свог живота, док је такође стекао признање у Америци. Његова слика Тхе Афтерглов купио га је 1922. председник САД Варрен Хардинг за Белу кућу.
Ова фотографија са Архива америчке уметности, на жалост, не даје нам локацију, али морате да мислите да ће сваки уметник који жели да удари у њега вода са његовим штафелајним мердевинама и бојама била је или веома посвећена посматрању природе или сасвим сховман.

1897: Женска уметничка класа

Ова фотографија из 1897 Архива америчке уметности приказује час женске уметности са инструктором Виллиамом Мерритт Цхасе. У тој ери мушкарци и жене су одвојено похађали часове ликовне уметности, где су жене временом имале срећу да уопште могу да стекну уметничко образовање.

Летња школа уметности око 1900

Студенти уметности на летњим часовима школе ликовних уметности Ст Паул, Мендота, Миннесота, фотографисани су око 1900. године са учитељем Буртом Харвоодом.
Мода на страну, велики сунцобрани су врло практични за њих сликање на отвореном јер задржава сунце у очима и спречава да вам лице изгори (као и врх са дугим рукавима).

„Нелсонов брод у боци“ - Иинка Схонибар

Понекад је скала уметничког дела која му даје драматичан утицај, далеко више од теме. „Нелсонов брод у боци“ Иинке Схонибар је такав комад.

„Нелсонов брод у боци“ Иинке Схонибар брод је висок 2,35 метара унутар још више боце. То је реплика у величини 1:29 водећег брода вицеадмирала Нелсона, ХМС Победа.
„Нелсонов брод у боци“ појавио се на Четвртом постољу на Трафалгар Скуареу у Лондону 24. маја 2010. Четврти постоље стајао је празан од 1841. до 1999. године, када је први из низа савремених уметничких дела који је специјално за постоље наручио Четврта група за пуштање у рад Плинтх.
Уметничко дело пре „Нелсоновог брода у флаши“ било је Једно и друго Антонија Гормлија, у којем је друга особа сат времена, око сата, стојала стотину дана на постољу.
Од 2005. до 2007. могли сте да видите скулптуру Марца Куинна, Алисон Лаппер Трудна, а од новембра 2007. године то је био Модел за хотел 2007. Томаса Сцхуттеа.
Дизајн батика на једрима „Нелсоновог брода у боци“ уметник је отиснуо руком на платну, инспирисан тканином из Африке и њеном историјом. Боца је димензија 5к2,8 метара, направљена је од перспека, а не од стакла, а отвор боце је довољно велик да се уђе унутра да би се конструисао брод.